El flamante top 10 de este listado se inaugura con esta obra maestra musical que en su momento pasó desapercibida para el mainstream rockero, pero que significa un punto de partida para infinidad de géneros inherentes al rock, como el punk, el glam, el post punk, el new wave, el art rock y el indie, además de ser un referente puntual del avant-garde y el rock ácido emergente en el lejano 1967. La escena rockera neoyorkina buscaba un referente al nivel de Bob Dylan, y en su lugar encontró al punto de partida de la llamada contracultura en el rock, gracias al descubrimiento que el artista pop Andy Warhol hizo en un bar de mala muerte en Manhattan. Como ya se decía, el álbum es de rock ácido, que mezcla un poco de elegancia y sensualidad con la singular voz de Nico, cantante alemana que aportó lo necesario para incrementar el hito, aunada a la rasposidad de la guitarra de Sterling Morrison, la precisión de la primer gran percusionista femenina en el rock, Maureen Tucker, el ingenio vanguardista del multi instrumentista galés John Cale, y las letras poéticamente transgresoras de Lou Reed. El resultado ya lo conocemos, un álbum perfecto, muy adelantado a su tiempo, y fuente de inspiración de infinidad de bandas posteriores, que además, para cerrar con broche de oro, tiene en su portada un Andy Warhol original.
Mi canción favorita: "All Tomorrow's Parties"
9. "Roxy Music" - Roxy Music (1972)
Se podría decir que este álbum está, de cierta manera, emparentado con "The Velvet Underground & Nico", aunque sean géneros distintos. Se emparentan por su espíritu innovador y sus aires cerebrales vanguardistas. Esta obra, sin embargo, es un glam progresivo semielectrónico con elementos de rockabilly y nostalgia cincuentera, mezclados con brillos futuristas y tecnológicamente innovadores. Así es, una mezcla absolutamente extraña, en la que las guitarras rockeras y los ritmos bailables van de la mano con los sintetizadores y las alteraciones electrónicas de los instrumentos. Además, tenemos ya sea un saxofón o un oboe en todas las canciones del álbum. Ninguno de estos elementos auguraba un éxito comercial, sin embargo, sí era una promesa de un resultado artístico. En una época en la que David Bowie era la punta de lanza en la vanguardia visual, y King Crimson lo era en el aspecto musical, parecía haber poca cabida para una banda debutante y tan singular como Roxy Music. Pero la banda era un supergrupo en potencia, formada por músicos que a la postre, serían leyendas en sí mismas del rock. Paul Thompson y Graham Simpson los que menos, en la batería y bajo respectivamente. De ahí tenemos a Andy Mackay en el saxo/oboe, Phil Manzanera en la guitarra, Brian Eno en los sintetizadores y Bryan Ferry en el piano y la voz. Con esos nombres, con esos talentos, se puede entender por qué su debut es una obra maestra al nivel de las más grandes del rock. Con canciones míticas como la enérgicamente inagotable "Re/Make, Re/Model", la asombrosamente innovadora "Ladytron", la exquisita y suave "2HB", la nostálgica y poderosa "Would You Believe?" o esa coda (o mejor dicho, pre-coda) majestuosa que es "Sea Breezes", entre otras. No necesitaron descubrir el hilo negro para crear una obra perfecta e insuperable como esta, sólo necesitaron unir sus talentos, y dejarlos fluir.
Mi canción favorita: "Would You Believe?"
8. "Pet Sounds" - The Beach Boys (1966)
Cuando Brian Wilson sufrió un colapso nervioso antes de un concierto de su banda, se dio cuenta que el pop surf para adolescentes no era lo suyo. Decidió tomar su sonido base, y convertirlo en algo artístico, al costo que fuera, aún si por medio estaba su propia estabilidad mental. Así fue como se gestó la idea de esta obra maestra, un álbum de pop barroco, con sonidos hermosos, melodías inolvidables e instrumentaciones variadas, complejas e inusuales. Desde sonidos de animales, bocinas de bicicletas y demás sonidos ambientales, además de múltiples e inagotables instrumentos de cuerdas, metales, vientos, percusiones y por supuesto, las hermosas armonías vocales logradas entre los hermanos Brian, Dennis y Carl Wilson, además de Mike Love y Al Jardine (lo que hacen todos en el pequeño intermedio de "Sloop John B" es insuperable). Fue Mike Love quien siempre estuvo en contra de la evolución de la banda, él quería seguir con su pop plástico e intrascendente. Aún así, su aporte vocal es de los más destacados del álbum. Es como si los Backstreet Boys (o alguna bandita de K-pop de estos días) de pronto hubiesen decidido componer un álbum ambicioso, súmamente complejo y conceptual, sin comprometer su alcance melódico accesible, pero añadiendo elementos musicales casi académicos y vanguardistas. Suena impensable, y por ello el mérito de los Beach Boys es tan grande y tan valorado. Y la mente maestra detrás de esto, Brian Wilson, quien además tenía una rivalidad musical imaginaria con los Beatles, terminó por colapsar cuando escuchó "Strawberry Fields Forever" y se dio cuenta que jamás superaría a los de Liverpool. La depresión y alienación en las que vivió por casi 30 años, nació de allí. Pero eso es otra historia. Nos quedamos con su obra maestra, el salto artístico de una simple Boy Band.
Mi canción favorita: "Sloop John B"
7. "Who's Next" - The Who (1971)
Muy pocas veces nos encontramos con un buen álbum de rock que no tenga otros géneros involucrados. "Who's Next" lo es. Surgido de un proyecto fallido del cerebro de la banda, Pete Townshend, quien amaba las óperas rock y los álbumes conceptuales, como ya lo había demostrado, "Who's Next" no se apoya de influencias externas y extremas, como el metal, el glam, el blues, el progresivo, la psicodelia, etc., sólo hacen rock y nada más que rock sin etiquetas. De los restos de ese trabajo fallido llamado "Lifehouse" nació esta obra maestra. Un álbum sin historia, sin concepto, sin temas de transición y sin mayores aspiraciones más que las de hacer rock, buen rock. Desde las desconcertantes notas iniciales de "Baba O'Riley" que desembocan en un riff épico y glorioso, hasta el final del himno rocanrolero más poderoso (además que creo es su mejor canción) que es "Won't Get Fooled Again", la banda explora los sonidos del rock con temas románticos, temas políticos, temas sardónicos e irónicos, temas cómicos y temas serios. Todos los integrantes están en su mejor momento en esta obra, Keith Moon sobrio y sumamente virtuoso en las percusiones, John Entwistle sosteniendo toda la música con sus exactas notas de bajo, además de componer y cantar esa delicia burlona que es "My Wife", Pete Townshend con su guitarra poderosa, sus letras profundas y el uso innovador de sintetizadores simples como el Hammond y el MiniMoog, y la voz de Roger Daltrey sonando en todo lo alto. No hay más. La banda se dedica a hacer rock desde el alma misma del género. Su sonido, épico y majestuoso, pocas bandas podrían replicarlo, a pesar de ser tan elemental como lo puede ser una simple banda de rock.
Mi canción favorita: "Won't Get Fooled Again"
6. "Rubber Soul" - The Beatles (1965)
Este es el álbum que lo cambió todo para todo el mundo. El día que los Beatles se pusieron serios, dejaron de escribir canciones juveniles, dejaron de intentar agradar a sus incontables fans hormonales, y decidieron hacer música en serio. Por supuesto, nadie creyó que lo harían, especialmente en esa época en que el rock era catalogado como un sonido exclusivamente juvenil e intrascendente por el sector "adulto" de la sociedad. Sucedió que los Beatles conocieron a Bob Dylan, y luego de un intercambio de ideas, ambos artistas habrían de revolucionar el rock en su totalidad en 1965. Y mientras Dylan hizo algo revolucionario, los Beatles tomaron su influencia folk y la plasmaron en esta deliciosa obra, en la que las melodías se tornaron un tanto más oscuras y en donde el surrealismo empezó a ser protagonista. Mientras McCartney compuso canciones profundas como "I'm Looking Through You" o "You Won't See Me" (bastante oscura), también hizo algunas de las canciones más reconocidas de la obra, como "Drive My Car" y "Michelle" (con sus exquisitas líneas en francés mal pronunciado). Lennon por su parte, hizo canciones mucho más avanzadas, tanto musical como líricamente. Ese homenaje a Bob Dylan en "Norwegian Wood", ese viaje al paralelismo en "Nowhere Man", la vanguardia artística en su estado más accesible en "The Word" (la línea de bajo de Paul es de lo más brillante del álbum, y la letra de Lennon, entendiendo al amor no como un sentimiento juvenil, sino como un estado abstracto del ser humano), los reclamos excesivos a las mujeres en "Girl" y "Run For Your Life" o la canción más hermosa del disco "In My Life". Por último, Harrison avanzó años luz en su capacidad de composición, con "Think For Yourself", llena de insinuaciones intelectuales casi condescendientes y una estructura musical bastante madura, y por supuesto "If I Needed Someone", con melodías y riffs exquisitos y sumamente refinados. Así, este es el trabajo que revolucionó al rock, lo llevó a una esfera mucho más artística y demostró a otros que se podía expresar la complejidad y profundidad del ser humano a través de las melodías y armonías simples del "sonido juvenil". Sin este álbum, el rock, como lo conocemos, jamás habría existido.
Mi canción favorita: "If I Needed Somenone"
5. "Highway 61 Revisited" - Bob Dylan (1965)
La contraparte de lo que se decía del álbum anterior. Dylan conoció a los Beatles, y su influencia en él fue tal, que su sonido se renovó completamente. Algo que se había percibido de una forma un tanto irregular en su obra anterior. Sin embargo, es aquí que se nos deja en claro la tendencia nueva de Dylan. Y la forma de presentárnoslo es con la que a mi parecer es la mejor canción de rock de todos los tiempos, la poderosa "Like A Rolling Stone", canción en donde Dylan despedaza a la aristocracia y a la clase política, con una letra irónica, sin piedad alguna; con una estructura musical potente y una base melódica sólida y lo suficientemente accesible para que todos la disfrutemos. Con respecto al resto de las canciones, son excelentes, con elementos de blues, folk (obviamente), country, rock y predominando las melodías vocales y las armonías, ahora plagadas de instrumentos electrónicos. Además, claro, de tener títulos poéticos y elaborados, tales como "It Takes A Lot to Laugh, It Takes A Train To Cry", la homónima "Highway 61 Revisited" o la adverbial "Queen Jane Approximately", todas ellas canciones maravillosas con un título a la altura de su grandeza. Pero Dylan no se iba a quedar con las ganas de darnos un vistazo a su esencia folk, y lo hace con una auténtica epopeya lírica, un poema maravillosamente estructurado, con temática cruda y hermosamente musicalizado en más de 11 minutos de folk auténtico. "Desolation Row" no tuvo la aceptación comercial de "Like A Rolling Stone", pero tiene una calidad artística muy cercana a ella, desde cualquier punto del que se le analice. De esta manera es que Bob Dylan cierra su obra maestra, su monumento que hasta el día de hoy permanece incólume y portentoso, a la vista de todo aquel que se atreva a percibirlo desde la mente adelantada y privilegiada del músico de rock que ganó un premio Nobel. Ni más, ni menos.
Mi canción favorita: "Like A Rolling Stone"
4. "Led Zeppelin IV" - Led Zeppelin (1971)
El pináculo del Hard Rock, la cumbre más alta de Led Zeppelin y una obra maestra de otro nivel. Un álbum compuesto sólo de 8 canciones, todas ellas perfectas, todas ellas de altísimo nivel. Desde la inicial y hard-rock-bluesera "Black Dog", con ese riff idílico, hasta la oscura y poderosa "When The Levee Breaks", con otro riff alucinante, la calidad de la música, entendiéndola como la conjunción de armonías, melodías y ritmos, es casi insuperable. Es cierto que no es el rock más duro, pero sí el mejor hecho. Uno en donde se sabe cuándo elevar el volumen, cuándo suplir guitarras por mandolinas, cuándo hacer breves piezas de rock and roll y cuándo hacer epopeyas majestuosas de 8 minutos. Cuándo meter un riff pegajoso, cuándo incluir sintetizadores, cuándo hacer una canción folk suave y cuándo reventar los oídos del escucha. Es por ello que este álbum es perfecto, porque todos los elementos están perfectamente medidos, y mientras comenzamos con guitarras poderosas en las dos primeras canciones, la tercera es una épica canción medieval, tan emotiva como desgarradora. La cuarta es un monumento al rock que debo nombrar, "Stairway To Heaven" es una muestra de la progresión musical mesurada pero definitiva. Después de ella, una canción pop, una poderosa canción rock basada en percusiones, una suave canción folk y el cierre oscuro ya mencionado. Cada elemento musical, cada melodía, cada instrumento, es tan valioso como lo es cada uno de los miembros de la banda. Es cierto que Jimmy Page y Robert Plant componen casi todas las canciones, pero el motor de la banda es John Bonham, quizás el mejor baterista de rock de la historia, además de la versatilidad académica de John Paul Jones, quien aporta sus infinitos conocimientos musicales, tanto teóricos como prácticos, para el bien de la obra. Sólo hay 3 álbumes que considero son mejores que éste, 3 obras que logran superar la perfección infinita de este trabajo, esta obra de arte auténtica.
Mi canción favorita: "The Battle Of Evermore"
3. "Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band" - The Beatles (1967)
Sin dudas, este es el álbum más popular de los Beatles, un álbum mundialmente reconocido, un referente de la cultura pop de los años sesenta, y por supuesto, una obra maestra musical. Lo que nació como una idea conceptual, terminó por ser una colección de canciones exquisitas, sumamente refinadas y con un tratamiento musical muy especial. Los Beatles querían aprovechar al máximo las ventajas del estudio de grabación, por lo que, inspirados en el trabajo de los Beach Boys en "Pet Sounds", ,incluyeron amplias instrumentaciones, tan complejas como variadas, para que la obra fuera de lo más sustanciosa. Así, en aquellos meses de trabajo se sentaron las bases para una infinidad de géneros, prácticamente inventados por los Beatles. El art rock, el rock progresivo, el dream pop, el rock sinfónico, el britpop, entre otros, nacieron de las sesiones del llamado Sargento Pimienta. La naturaleza circense, festiva e infantil de la obra, le permitió a McCartney componer canciones llenas de su espíritu fantasioso y chusco; temas como la otoñal "When I'm 64", la extrañamente romántica "Lovely Rita", la soñada "Fixing a Hole" o esa delicia que es "She's Leaving Home". Así como a Lennon le permitió ir más lejos en sus experimentaciones surrealistas con temas como la increíble "Lucy In The Sky With Diamonds", la complicada "Being For The Benefit Of Mr Kite" o, por supuesto, la majestuosa coda final que es "A Day In The Life", que además es el mejor cierre para un álbum de todos los tiempos. De ahí que embonen tan bien los dos estilos, en apariencia opuestos, de los dos principales compositores de la banda. Mientras que Harrison nos regaló esa introspectiva y espiritual maravilla hinduísta llamada "Within You Without You". Por donde se le mire, este es un trabajo perfecto, un compendio de canciones elegidas de forma exhaustiva para formar parte de la obra, para cerrar el círculo y concretar un concepto que, si bien en esencia no se llegó a concretar de forma histriónica, sí que lo hace en la forma artística. Decía al inicio que este álbum es un referente de la cultura pop de los sesenta. En realidad es un referente de la humanidad como especie, de sus capacidades de percepción e interpretación de la realidad, a través de los ojos limitados y cargados de emociones que todos tenemos. Un auténtico legado de nosotros, que indiscriminadamente nos representa como parte de la historia de este mundo.
Mi canción favorita: "A Day In The Life"
2. "The Dark Side Of The Moon" - Pink Floyd (1973)
La humanidad. La vida moderna. La locura. Los sentimientos. Los anhelos. Los miedos. De qué forma alguien puede recopilar todos estos temas tan profundos y existenciales, en algo tan superfluo como lo puede parecer un álbum de rock. Pink Floyd lo hace de una forma tan brillante y tan universal, en este álbum que estrictamente es de rock progresivo, pero que en realidad es de un género universal, accesible para todo el mundo, y que es capaz de introducirse e interpretarse en la mente de cualquier persona, conocedora o no del rock, de la cultura moderna o del idioma inglés. Con 9 canciones, y con una producción impecable, los sonidos del álbum son sumamente limpios y cuidados, para expresar con exactitud los temas inherentes a cada una de las canciones. "Breathe In The Air" nos habla con suma delicadeza musical de la forma en que hacemos tantas cosas, que no nos detenemos ni a respirar un poco. Siempre apurados, siempre con algo urgente qué hacer. "On The Run" es una representación sonora y proto electrónica de las prisas, el apuro y la hiperactividad que tanto se nos exige en este mundo moderno. "Time" es la contraparte, la pérdida de tiempo, la procrastinación como fundamento de nuestras actividades, la postergación de sucesos y el inminente arrepentimiento consecuente. Además, es una canción hermosísima y emotiva al punto de las lágrimas. "The Great Gig In The Sky" es tan escalofriante como el tema del que nos habla, el miedo a la muerte. "Money" no requiere de mayor explicación, la adoración al dinero que tenemos como sociedad capitalista. Además de decir que es un blues exquisito en 7/8. "Us And Them" nos habla de la discriminación, tan rutinaria en nuestra sociedad, y tan normalizada. De esta canción se agradece el escuchar la voz de Rick Wright como voz principal, luego de muchos años de ausencia. "Any Colour You Like" es una extensión del tema anterior, centrándose en la discriminación racial. Por su parte "Brain Damage" nos habla de la locura colectiva en la que todos vivimos, por todos los elementos antes mencionados. Además, es un guiño a la remembranza que tiene la banda por su líder perdido, el diamante loco Syd Barrett. Por último, "Eclipse" es la coda perfecta, emotiva y majestuosa de un trabajo absolutamente universal. Reitero, no se requiere ser un conocedor de música para apreciar esta obra de arte. Sólo se requiere un mínimo de sensibilidad, esa con la que todos nacemos y que aparece de vez en cuando. Con eso basta para apreciar, admirar y rendirnos ante este disco glorioso.
Mi canción favorita: "Time"
1. "Revolver" - The Beatles (1966)
Este es sin duda el álbum menos popular de los Beatles, un álbum poco reconocido a nivel popular, debido principalmente a la falta de sencillos insignia. El único es el infantil "Yellow Submarine". Sin embargo, este álbum es el más sustancioso de los Beatles, además claro, de ser una obra maestra. Las mezclas de rock con la naciente psicodelia dan como resultado un sonido muy ácido, muy innovador y muy rasposo. Me queda claro que este es el álbum más rockero de los Beatles, a pesar de que tiene canciones hinduistas ("Love You Too" de Harrison), canciones dramáticas de cuerdas ("Eleanor Rigby" de McCartney), canciones de soul ("Got To Get You Into My Life" de McCartney), o baladas suaves y bellas ("Here There And Everywhere" y "For No One", ambas de McCartney y ambas inmensamente hermosas). Y lo digo específicamente por temas como "And Your Bird Can Sing" de Lennon, con un riff de guitarra maravilloso y una explosividad asombrosa, por "Taxman" de Harrison, un rock muy duro tanto en su música como en su letra, y con una guitarra que suena como 10, y también lo digo por la exquisita "She Said She Said" de Lennon, nuevamente con un riff inolvidable, y con un intercambio melódico excelso y perfecto, en donde la voz interpreta, y la guitarra le replica, una y otra vez, mientras Ringo en el fondo no deja sus toms y sus platillos en paz, adicionales a otros temas muy rockeros como "Dr. Robert" y la brillante "I'm Only Sleeping" de Lennon, o la sobria "I Want To Tell You" de Harrison. Además, no hay duda de que este es el álbum más adelantado a su tiempo de los Beatles. En él se predicen las bases de la música electrónica, el trip hop, el rock experimental, el art rock, el baroque pop, el dream pop, el rock electrónico, el avant-garde y muchos otros estilos musicales de altura. Todo ello dentro de un simple tema de 3 minutos de duración, que habría de ser el precursor de todo lo que acabo de mencionar. "Tomorrow Never Knows" es un experimento musical en constante movimiento, en donde aparecen los sampleos y los loops por primera vez en un álbum de rock, en donde los sonidos se superponen unos a otros en un trabajo de estudio tan exhaustivo como irrepetible. En 3 minutos los Beatles cambiaron la historia de la música. Jamás nadie ha aportado tanto a la música moderna como los Beatles en esos alucinantes 3 minutos. Así que, con todos estos elementos, este es sin duda el mejor álbum (desde mi punto de vista, claro) de todos los tiempos. Lo tiene todo, todo. Es simplemente insuperable.
Mi canción favorita: "Tomorrow Never Knows"
