25 grandes canciones compuestas por mujeres

 

Derrumbando el mito de que el rock es un sonido masculino y viril, he aquí una pequeña muestra de 25 grandes canciones hechas por mujeres, en su concepción e interpretación. Para ello he considerado temas de mi gusto personal, que son compuestos en su totalidad por mujeres, y cuyo alcance ha trascendido la inocua y vacía popularidad, para adentrarse en el terreno del arte, la profundización musical y lírica, y por supuesto, la capacidad de sacudir las almas y los sentidos de quienes les escuchamos. 

25. "Time Escaping" de Big Thief (compuesta por Adrianne Lenker)

Publicada hace apenas un año, esta hermosa pieza musical (al igual que el álbum del que se extrae) explora sonidos folclóricos, bellamente musicalizados y sutilmente estructurados por un acompañamiento sonoro fabuloso (esas percusiones son maravillosas, aportando como nunca, en la armonía del tema). Empieza muy bonito esta lista. 

24. "China" de Tori Amos (Tori Amos)

A principios de los 90 había sólo una gran referente en cuanto al rock femenino, y ella era Tori Amos, quien con su álbum debut, logró cautivar a miles y miles con su exquisita delicadeza. Con ella en el piano y la voz principal, su álbum debut la colocó en un prestigioso sitio que duró poco, pero abrió el camino para el vendaval de féminas rockeras (y no tan rockeras) que se vendría en años posteriores.

23. "My Mistakes" de Eleanor Friedberger (Eleanor Friedberger)

Con esta optimista y vivaz canción, Eleanor abría su primer álbum, luego de una carrera brillante junto a su hermano en los Fiery Furnaces. A todo amante del pop enérgico le va a encantar este tema (a pesar de la no tan positiva letra) y le va a provocar ganas de moverse al ritmo sencillo y efectivo que sostiene esta bella pieza.  Una excelente canción para empezar el día. 

22. "Every Word" de Belly (Tonya Donelly)

Típica canción alternativa de principios de los 90, en esa mezcla extraña entre grunge, shoegaze y balada, este tema (y el álbum) marcan el inicio del nuevo proyecto de Tonya Donelly una vez que terminó con los Throwing Muses (a quienes veremos más adelante), en un año en el que el rock alternativo liderado por mujeres estaba despuntando. 

21. "White Rabbit" de Jefferson Airplane (Grace Slick)

Si bien, en el rock psicodélico de los 60 había muchas frontwoman en el rock (The Mamas and The Papas, Marianne Faithfull e incluso Nico con The Velvet Underground), pocas de ellas se dedicaban a escribir canciones. Grace Slick era una de ellas, quien compuso este hipnótico y creciente tema para el disco más brillante de la banda, quien además nos regala una de sus mejores interpretaciones vocales, que incrementan el poder del clímax final de la canción. 

20. "Royals" de Lorde (Ella Marija Lani Yelich-O'Connor)

Si bien, técnicamente no es una canción de rock, fácilmente podríamos considerarla como tal por la estructura, ingenio y armonía que está implícita en esta melódica y minimalista canción pop. Lorde es una de esas artistas que hacían buen pop, antes de que el trap invadiera, cual parásito, todos los estilos populares. Como testimonio del buen rumbo que pudo tomar el pop de principios de los 2010s, está esta pequeña joyita. 

19. "Because The Night" de Patti Smith (Patti Smith/Bruce Springsteen)

Ok, aquí hice un poco de trampa, porque el tema está compuesto por Smith en compañía de Bruce Springsteen, pero es que se trata de un excelente tema, y Patti Smith regularmente se apoyaba de sus colegas varones para componer canciones. Y como no había manera de dejarla fuera de esta lista, elegí esta canción que debió ser mucho más popular de lo que fue en su momento. Lejos de su punk poético de sus primeros álbumes, en este tema Smith abraza de lleno el rock melódico, y nos regaló una de sus canciones más accesibles y bellas. 

18. "Expanding Flower Planet" de Deradoorian (Angel Deradoorian)

Qué bello que es el primer disco de Angel Deradoorian, la antigua colaboradora en los Dirty Projectors, y que en esta obra explora los alcances y estética de la world music, con cánticos, instrumentos inusuales, y muchísimas melodías bellas, y armonías deliciosas. Este tema lo elegí al azar, pues prácticamente cualquier canción del álbum hubiese funcionado, por su enorme calidad e infinita belleza. 

17. "Violet" de Hole (Courtney Love)

Espectacular y poderosa, esta canción abiertamente grungera nos deja entrever la enorme capacidad creativa que tenía Courtney Love, y que en este, su mejor álbum con Hole, se explotó en la mayoría de las canciones. Cansada de ser conocida como "la esposa de Kurt Cobain", Love nos dejó constancia que su nombre se puede mencionar por méritos propios. 

16. "Human Of The Year" de Regina Spektor (Regina Spektor)

Hermosa y emotiva canción de Regina Spektor, contenida en mi álbum favorito de ella, el delicioso Far de 2009. La canción se parte hacia el minuto 1:50, con esos "hallelujah" que dan pie a mi sección favorita de la canción, con ella tocando las notas una octava más arriba en su piano, y creciendo en intensidad poco a poco hasta alcanzar el cielo, y repetir el cántico "hallelujah". No es mi canción favorita de ella, pero sí con la que más me identifico. 

15. "More" de The Warning (Alejandra, Daniela y Paulina Villarreal)

Obviamente The Warning no se iba a quedar fuera de mi lista. Se trata de la canción de más reciente publicación en este listado, y la elegí no porque sea mi favorita, sino porque representa una clara evolución en su sonido. Lejos están los ecos metaleros de su segundo álbum. Incluso parecen lejanos los arreglos hardrockeros de su último disco. Aquí se acercan un poco más al pop, a manera de jugueteo desde mi perspectiva, ya que cuando menos lo esperamos, irrumpe el riff de guitarra poderoso y nada sutil. 

14. "Cannonball" de The Breeders (Kim Deal)

Esta es una de esas canciones que, conforme pasan los años, se vuelven más y más icónicas. Injustamente opacada en Pixies, Kim Deal tuvo su revancha con su banda propia, que formó junto a su hermana y unos amigos, y compuso todos los temas de este, su primer álbum, que es una maravilla de principio a fin. Aunque claro, esta canción es la que más popularidad tuvo, todos los cortes del álbum están añejando de manera espectacular. 

13. "I Feel It All" de Feist (Leslie Feist)

Quizás esta sea su canción más conocida, extraída de su álbum más laureado, y las razones son muy evidentes. La canción es bella, melódica (como para bailar en medio de la tormenta) y con arreglos sutiles, cosa característica en la mayoría de las canciones de Feist. Y el álbum es una pequeña maravilla, mi favorito (junto con Metals, su álbum siguiente) y el que más captura el bello sonido folk de la artista canadiense. 

12. "Hate My Way" de Throwing Muses (Kristin Hersh)

Pocos compositores (del género que sea) me han llegado a conmover por igual con la música y la letra de una canción. Kristin Hersh es una de ellas, con esta delicia llena de ira, angustia y desconcierto, característicos de la adolescencia, el tema captura tópicos con los que todos nos identificamos: dudas existenciales, el sentido de la vida, la falta de autoestima y el odio infundado que surge de la frustración de vivir, todo ello barnizado con una sutil cubierta de tristeza disfrazada de agresividad. Una joya. 

11. "Angelica" de Wet Leg (Rhian Teasdale y Hester Chambers)

La frescura de esta canción publicada el año anterior a la creación de esta lista, es una que irrumpe en una época en la que el rock juvenil prácticamente no existe más. Hasta que dos chicas británicas (Rhian Teasdale -la morena- y Hester Chambers -la rubia-) unen sus talentos y, mientras se divierten, crean uno de los álbumes más divertidos, irreverentes y musicalmente exquisitos de los últimos tiempos. 

10. "When You're Gone" de The Cranberries (Dolores O'Riordan)

Mientras que la gran mayoría de los grandes temas de The Cranberries estaban firmados por la dupla de Dolores O'Riordan y Noel Hogan, este tema en particular es exclusivo de la maravillosa vocalista irlandesa. Y casualmente es, a mi parecer, la canción más bella de todo el repertorio cranberriano. Compuesta en un emotivo tiempo de 6/8, y bellamente cantada por la desaparecida O'Riordan, no podía dejar pasar la oportunidad de recordar a una de las figuras femeninas más poderosas del rock. 

9. "Parting Gift" de Fiona Apple (Fiona Apple)

Una de las mujeres más injustamente infravalorada en la escena musical del nuevo siglo, Fiona Apple es, sin temor a equivocarme, la artista más creativa y genial de los últimos 20 años. Con cinco álbumes publicados, dos de ellos en los 90 y los otros 3 en las dos décadas posteriores, puedo decir que ninguno de ellos es malo, pobre o aburrido en ningún sentido. Todos ellos brillantes, todos ellos geniales, aunque mi favorito es con el que la conocí, el Extraordinary Machine de 2005, del cual se extrae esta poderosa y contundente canción a base de piano. 

8. "On Battleship Hill" de PJ Harvey (Polly Jean Harvey)

De todas las artistas en esta lista, PJ Harvey es mi favorita, sin duda. Son tantos discos suyos los que me han cautivado, que me costó elegir una canción para representarla en esta lista. Elegí este bucólico y directo tema, porque fue el primero que atrevesó mis oídos y mi alma cuando lo escuché. Una canción que habla sobre la fealdad del ser humano, sobre los residuos de la guerra, y que se corona con la contundente línea que reza "cruel nature has won again". La cruel naturaleza ha ganado de nuevo. Y mientras la letra es contundente, la música es sutil y delicadamente hermosa. Una combinación perfecta, y una canción imborrable. 

7. "Three Babies" de Sinéad O'Connor (Sinéad O'Connor)

Es cierto que la recientemente desaparecida artista irlandesa Sinéad O'Connor sólo tiene un buen álbum en su haber. Pero también es cierto que ese álbum es el álbum que le hizo ganar la inmortalidad, al menos desde la perspectiva artística. Tristemente, su canción más popular (que no es la mejor) no es de su autoría, por eso decidí honrar su inmensa creatividad con esta, una canción suya, una canción dura, pero bella. El amor de una madre, más que eso, el sacrificio de una madre, bellamente plasmado en la letra y la música de esta pieza que debería ser la canción más recordada de Sinéad. 

6. "God Turned Me Into A Flower" de Weyes Blood (Natalie Mering)

No encuentro palabras para describir esta canción. Había pasado mucho tiempo desde que una canción nueva me había conmovido, removido y renovado en más de un sentido. Esta hermosura de canción lo hizo, lo sigue haciendo cada vez que la escucho, y sigue siendo el constante recordatorio del motivo por el que amo tanto la música y por qué la música me cambia la vida para bien, siempre. Ese es el mayor regalo que un artista, una artista en este caso, te puede dar. 

5. "Fast Car" de Tracy Chapman (Tracy Chapman)

El mejor One Hit Wonder de la historia? Puede serlo sin ningún problema. Cuando te llega la inspiración, cuando los astros se alínean, cuando todo el universo conspira a tu favor, y te regala esos instantes de lucidez y brillantez que cambian tu vida para siempre, y cambian la vida de quienes escuchan tu inspiración, el resultado es una canción como "Fast Car". Una de esas canciones universales que a todos nos llegan, desde la letra y desde la música. 

4. "Hyperballad" de Björk (Björk)

La figura musical femenina más grande de todos los tiempos, a mi parecer. Una compositora e intérprete completísima, que lleva años haciendo arte, y de la que me fue difícil elegir una canción representativa. Decidí elegir la canción que más me cautivó cuando escuché el que creo que es su mejor álbum (el Post de 1995). Una hipnótica y ascendente canción que se podría catalogar como pop, a pesar de sus reminiscencias al dance y al trip hop. 

3. "Dreams" de Fleetwood Mac (Stevie Nicks)

Es la mejor canción en uno de los mejore álbumes de la historia. Es cierto que Stevie Nicks no era la principal compositora de Fleetwood Mac en sus mejores épocas, ya que también estaban Lindsey Buckingham y Christine McVie, pero fue ella quien compuso esta delicia, una breve y dolida canción, con frases contundentes y directas (a su expareja, que casualmente es quien hace la segunda voz en el estribillo) que habría de perdurar por décadas, y que hasta el día de hoy se erige como uno de los pilares del rock popular setentero. 

2. "All I Want" de Joni Mitchell (Joni Mitchell)

Esta canción es la que inaugura el que considero como el mejor álbum hecho jamás por una artista femenina, el delicioso Blue de Joni Mitchell. Ella, con su sensibilidad y su enorme expresividad, creó una auténtica obra de arte, llena de honestidad y emotividad, en un estilo folk principalmente, de corte romántico en un sentido más visceral que amoroso, y después de ella, vinieron todas las demás. La primera, la punta de lanza, la que abrió el camino y quien habría de seguir una carrera musical mucho más rica, pero mucho menos vistosa. 

1. "The Big Sky" de Kate Bush (Kate Bush)

Hay tantos movimientos musicales, tantas artistas, tantas corrientes musicales, tantos arreglos y tantas ideas que no hubieran existido jamás si no hubiese aparecido Kate Bush en escena. Una artista que hacia pop, pero que le metía elementos progresivos, techno, incluso industriales. Estoy seguro que Trent Reznor de los Nine Inch Nails escuchó esta canción en su juventud, y de alguna manera lo influenció. Ese collage de sonidos que se superponen en la segunda mitad de la canción es majestuosa, con voces, percusiones, un piano, dos guitarras muy poderosas, aplausos y sintetizadores que forman una pared de sonido tan caótica como maravillosa. Hay que decirlo, Kate Bush es la mujer más visionaria, innovadora y vanguardista de la historia de la música moderna. 

20 grandes canciones del 2022

 

Luego de lo terriblemente decepcionante que fue toda la década de los 2010's en términos musicales, esta nueva década comienza con nuevos bríos, y con un aire esperanzador en cuanto al panorama mundial del arte sonoro. Es cierto que aún persisten (y persistirán, como en todas las décadas previas) géneros pusilánimes y escatológicos (por decir lo menos) tales como el trap o el reggaetón (así se escribe), con su sima más profunda y hedionda situada en el vulgar y ruin "Motomami" de la infladísima Rosalía, que no hace más que tratar de pulir un producto que en su esencia es inmundo y pretencioso (aunque la mona se vista de seda).

Pero aquí nos centraremos en la otra cara de la moneda, la que nos renueva la ilusión por nueva música de calidad, que pueda valorizar y enaltecer los elementos fundamentales que hacen arte a la música, que la definen desde sus elementos más básicos (es decir, la conjunción de melodía, armonía y ritmo), y que por primera vez en mucho tiempo, me dio material suficiente para generar una lisa de 20 grandes canciones que se publicaron en el fenecido 2022. Empecemos, entonces.

20. "There'd Better Be A Mirrorball" del álbum The Car (Arctic Monkeys)

Unos Arctic Monkeys que están muy lejos del sonido de su debut, en 2006, pero que para nada es algo que se les puede reprochar. El sonido se acerca mucho al jazz, con elementos de soft rock, y con muchísima creatividad al incluir elementos externos a la banda, como son las cuerdas o las orquestaciones. El álbum es bastante consistente, pero esta es mi canción favorita. 

19. "Rich" del álbum The Overload (Yard Act)

Brillante e irónica canción de esta banda debutante en la escena rockera británica. El sonido es bastante reminiscente al post punk de finales de los 70, con una alta dosis de minimalismo, y una letra cargada de un humor negro delicioso, que hace mofa al mismo tiempo que exhibe al capitalismo que reina en la gran mayoría de los países del orbe. 

18. "I Don't Wanna Go Out" del álbum Wet Leg (Wet Leg)

Otra divertida canción de una banda debutante británica, sólo que esta vez tenemos una canción mucho más melódica que la anterior, más atmosférica y rica en armonías, muy cercana al new wave de principios de los ochenta, mezclado con la indiferencia indie que caracteriza a las bandas de hoy en día. 

17. "Spitting Off The Edge Of The World" del álbum Cool It Down (Yeah Yeah Yeah's)

Esos Yeah Yeah Yeah's desenfrenados e irreverentes que conocimos hace casi 20 años se han renovado bastante, y para muestra esta exquisita canción. Ahora nos enfrentamos a un delicioso y emotivo dream pop tan majestuoso en sus coros como delicado en sus estrofas. 

16. "Change" del álbum Dragon New Warm Mountain, I Believe In You (Big Thief)

Una canción para disfrutar en la soledad, o con la compañía más exclusiva, para estrechar lazos o rememorar vivencias perdidas. El sonido es un folk country maravilloso (estilo Gram Parsons), que estimula las emociones más profundas e íntimas que se puedan llegar a tener. Un deleite de principio a fin. 

15. "Stevie" del álbum Radiate Like This (Warpaint)

Suave como terciopelo, este bello tema nos acaricia los oídos con su estética que puede ser tan rítmica como el funk, y remitirnos a los mejores años de Air, con menos sintetizadores pero con la misma atmósfera sensual y exquisita. Totalmente recomendable el álbum del que se extrae esta joya. 

14. "Debra" del álbum I Love You Jennifer B (Jockstrap)

¡Vaya canción! En un inicio, parece ser mística, intrigante y misteriosa, pero pronto esa atmósfera se rompe para darnos un noise pop energizante al que no le falta poder, y al que le sobra calidad. Si te gustan los Sleigh Bells, esta canción te encantará (como a mí). 

13. "Morning, Noon And Night" del álbum Fear Of The Dawn (Jack White)

Quizás Jack White sea la única figura dentro del rock que aún trata de innovar, de inventar algo que todavía no exista, y aunque el sonido de esta canción no es algo que se pueda decir único, sí es una canción fascinantemente inusual. Partiendo de la base del blues (acordes inconfundibles), procesado por guitarras, sintetizadores y un ritmo trepidante, tenemos esta maravillosa canción que cierra su espectacular Fear Of The Dawn, uno de los dos álbumes que publicó el artista en 2022.

12. "Easy On Your Own" del álbum Blue Rev (Alvvays)

Exquisito y etéreo tema del mal llamado indie, proveniente de la fría Canadá, país del que es oriundo esta interesante agrupación, y de cuyo cuarto álbum se extrae esta joyita. Es verdad que la canción es muy ligera e inocua, pero eso no evita que se trate de una pequeña delicia para nuestros oídos. 

11. "Buttons" del álbum Gemini Rights (Steve Lacy)

A este sonido hoy en día le llaman R&B, cuando claramente se trata de una mezcla de soul, dream pop, y una pizca de psicodelia. El resultado es esta maravilla, y no hablo sólo de la canción, sino todo el álbum es un deleite. En lo particular, Buttons me hizo sentir tantas cosas increíbles, que debía incluirla, sí o sí, en esta exclusiva lista. 

10. "Goodbye Mr Blue" del álbum Chloë And The Next 20th Century (Father John Misty)

Debo de decir que al escuchar completo este álbum, no me encantó ni me generó prácticamente nada. Su sonido es muy cercano al swing, cosa que, si bien suena elegante, transmite muy poco desde las entrañas. Pero de esta canción me enamoré desde la primer escucha. Más cercana al folk, la canción destaca por su sensibilidad al ritmo de las notas punteadas de la guitarra, y la sensible letra cantada por el ex batería de los Fleet Foxes.

09. "Martirio" del álbum Error (The Warning)

La banda que está reviviendo al rock es orgullosamente mexicana, y ésta canción en particular (la única en español de su último álbum) me parece una pequeña obra maestra que amalgama con perfección la dureza del hard rock con la sensibilidad innata de las regiomontanas (que en este álbum se luce por vez primera). Las dos secciones instrumentales de la canción son estremecedoras. 

08. "More Power" del álbum C'mon You Know (Liam Gallagher)

Lejos de Oasis (en tiempo, no tanto en sonido) el menor de los Gallagher publicó este año uno de los mejores álbumes de rock (C'mon You Know), y a pesar de que "Everything's Electric" fue la canción más sonada de dicho álbum, esta es mi preferida, mucho más emotiva, mucho más certera, e igualmente rockera. 

07. "Hideous" del álbum Hideous Bastard (Oliver Sim)

Impresionante canción que aún no puedo superar, y con la que abre el más reciente álbum (debut, si no mal recuerdo) de Oliver Sim (The XX), en donde no solo la música nos destroza en su belleza y frontalidad, sino que el mismo autor se destroza a sí mismo con una poderosa expresión de sí mismo. Una maldita joya. 

06. "The Only Heartbreaker" del álbum Laurel Hell (Mitski)

En la vena del techno pop ochentero más recalcitrante, surge esta delicia de canción y de álbum. Sí, es cierto que en apariencia es una simple canción pop, pero de alguna manera, la emotividad innata en sus atmósferas permea poco a poco, y se trasciende a la aparente superficialidad de su sonido a primera escucha. Pop de a deveras. 

05. "It's Not Just Me, It's Everybody" del álbum And In The Darkness, Hearts Aglow (Weyes Blood)

Qué maravilloso descubrimiento fue Weyes Blood, con este álbum con un título hermoso, y esta canción con un título igualmente bello. No pude evitar pensar en Joni Mitchell al escuchar esta delicia, que es con la que abre el álbum, y por ende, la primer canción de la que me enamoré dentro de la obra. El resto de canciones son igualmente bellas, pero esta me cautivó. 

04. "Rock Bottom" del álbum This Is A Photograph (Kevin Morby)

Tenía tantas opciones para elegir la canción que ocuparía este sitio, todas ellas del mismo álbum, todas ellas con la misma calidad. Al final me decanté por este jangle rock divertido y fantástico. Si bien, el resto del álbum es más orientado al folk, al country, al rock incluso, esta canción nos recuerda las geniales ocurrencias de Eels o del Beck primigenio. 

03. "Epilogue" del álbum Cub (Wunderhorse)

Una canción simple y efectiva, con una letra sumamente sombría, y con un contraste de sonidos que nos hará amar la canción a la primera escucha. Emotiva al inicio, poderosa al final, genial en todos y cada uno de los segundos que dura esta maravilla de canción. Serotonina auditiva, para quien ocupe.

02. "Pana-vision" del álbum A Light For Attracting Attention (The Smile)

Todo este álbum es genial, de principio a fin, pero esta canción fue la primera que escuché, a días de su publicación, y gracias a una de mis series favoritas de toda la vida. Serie aparte, la canción se mueve grácil y sutilmente en su extraño compás (de 7/8 me parece), y se alimenta de sonidos tan bellos como nutritivos para la armonía total de la pieza. Una obra maestra. 

01. "Basketball Shoes" del álbum Ants From Up There (Black Country, New Road)

Todo lo que tenía que decir de esta obra maestra (la canción y el álbum), ya lo dije en un escrito anterior. Así que esta vez sólo diré que jamás dejaré de amar profundamente a la vida, mi vida, gracias a la música. Y jamás dejaré de amar profundamente a la música, mi música, gracias a canciones como esta. 

Mis canciones favoritas de Led Zeppelin

A mi gusto, la cuarta banda más importante de la historia del rock, Led Zeppelin fue un ejemplar único, que mezclaba por igual elementos de blues y soul con poderosas guitarras, riffs metaleros y ambientaciones hinduístas y místicas. Además, es una de is bandas favoritas, y es por ello que presento mis canciones favoritas de tan histórica y maravillosa agrupación.

20. "Friends" del álbum Led Zeppelin III (1970)

Una increíble canción con aires orientales y una energía tal, que parece muy lejos de su ambientación folk, y nos acerca más a una electrizante atmósfera rock. Muchos críticos demeritan este álbum, por ser menos eléctrico que sus predecesores, sin embargo a mí me parece una maravilla.

19. "Nobody's Fault But Mine" del álbum Presence (1976)

Una de las cosas que hacían que el sonido de Led Zeppelin fuera fascinante eran los asombrosos efectos que Jimmy Page le ponía a su guitarra. Tal es el caso de esta poderosa canción, que nos deleita con un riff de guitarra alucinante. Eran los últimos brillos de la banda, que iba en pleno declive, sin embargo, esta canción sigue siendo de mis favoritas.

18. "That's The Way" del álbum Led Zeppelin III (1970)

Esta vez sí nos encontramos con una canción campirana y sensible... por momentos. Ya que la energía del Zeppelin no se podía contener, sus canciones más íntimas aún tenían momentos de pesadez y de poder musical. No por ello deja de ser una canción muy bella.

17. "Whole Lotta Love" del álbum Led Zeppelin II (1969)

La canción que todo mundo conoce de Led Zeppelin, con ese riff inconfundible y ese ritmo irresistible. Esta canción resume en su totalidad todos los elementos que nos enamoran del rock, y específicamente, de Led Zeppelin. Mi único pero siempre será el interludio psicodélico, que no tiene mucho sentido de ser.

16. "In My Time Of Dying" del álbum Physical Graffiti (1975)

Extraída del último álbum colosal que grabó la banda, hace 45 años, esta canción es un poderoso tour de force bluesero, rockero, metalero y lleno de una emotividad que transita entre la crudeza y la potencia. Es una de esas canciones que, luego de llegar al final, nos hacen comprender el por qué de la grandeza de esta monumental agrupación. Ojo especial al gigantesco virtuosismo de John Bonham en la batería, que suenan como 10 baterías simultáneas.

15. "Heartbreaker" del álbum Led Zeppelin II (1969)

Uno de los riffs más disfrutables de la historia del rock, en una de las canciones más perfectas del género, y por supuesto, un hito del alcance de esta música en el inconsciente y el consciente colectivo. Muy pocas personas escuchan la canción sin encontrarle un gusto peculiar. Es casi una regla que aquel que le dedica minutos de apreciación a esta joya, la termina apreciando.

14. "Dazed And Confused" del álbum Led Zeppelin (1969)

De su primer álbum, tenemos esta increíble joya que hace honor a su título, y que en todo momento nos lleva por el camino del desconcierto. No por su rareza, sino por su ambientación tétrica y su cambiante sonido, bluesero a veces, rockero en otras, psicodélico incluso. La canción tuvo problemas de plagio en su momento. Ello no hace que la deje de amar ni siquiera un poquito.

13. "No Quarter" del álbum Houses Of The Holy (1973)

Esta maravilla contiene una serie de elementos fundamentales de la banda: una atmósfera mística, un riff muy pegajoso, y un poder rockero absolutamente disfrutable. Los efectos tanto en los teclados de John Paul Jones, como en la guitarra y en la voz de Robert Plant le dan un aire poco accesible a la canción, sin embargo, su perfección musical supera cualquier barrera.

12. "Rock And Roll" del álbum Led Zeppelin IV (1971)

El título lo dice todo. La canción es un poderoso rock and roll que en su letra guarda algo de nostalgia a los años del apogeo primigenio del género. Las guitarras  y las percusiones sostienen esta nostalgia en un ambiente netamente rocanrolero, disfrutable, poderoso y contundente.

11. "Houses Of The Holy" del álbum Physical Graffiti (1975)

En esta canción podemos percibir la madurez de la banda, en un tema bastante sobrio, sin excesos y sin destellos, con una base musical sólida y estable, desde luego adornada con un riff inolvidable, y la elegante voz de Robert Plant.

10. "Babe I'm Gonna Leave You" del álbum Led Zeppelin (1969)

Se trata de un maravilloso cover que la banda grabó para su primer álbum, que se podría catalogar como un folk metal, si es que cabe tal denominación. La canción es dramática por naturaleza, con suaves momentos folk que sin más se ven interrumpidos por el despliegue rockero inmisericorde (sin guitarras eléctricas, ojo) que crea un contraste drástico y, de alguna manera, perfecto.

9. "Black Dog" del álbum Led Zeppelin IV (1971)

Es la canción con la que se inaugura este histórico álbum, una canción de rock que cumple con los cánones de la banda. Riff maravilloso, poder inigualable, voz alucinante y un estilo semibluesero que a nadie nos disgusta. No podía empezar de mejor manera el que terminó por ser su mejor álbum.

8. "The Song Remains The Same" del álbum Houses Of The Holy (1973)

Luego de entregar su obra maestra, todo mundo estaba a la expectativa del siguiente álbum de la banda. Al escucharlo por primera vez, esta es la canción que nos da la bienvenida. Es una cachetada a las expectativas de la gente, una canción bastante enérgica, excesivamente positiva diría yo, más en su música que en su letra. Y sobre todo, es una maravillosa e inusual canción de Led Zeppelin.

7. "Immigrant Song" del álbum Led Zeppelin III (1970)

Una de las canciones más famosas de la banda, caracterizada por ese grito tarzanesco y el riff minimalista y protopunkero que es tan simple como pegajoso. La canción es un breve y contundente manifiesto rockero de la banda. Una canción única en el repertorio de la banda, y una súmamente influyente para agrupaciones futuras.

6. "Misty Mountain Hop" del álbum Led Zeppelin IV (1971)

Esta canción es tan peculiar que quizás es la única de todo el historial de la banda que se puede considerar como pop. De entrada tenemos unos sintetizadores que junto a la guitarra, hacen las veces de riff, seguido de una melodía inusual pero accesible en las voces, y una ambientación amable. Lo que hace a esta canción tan grande es su complejidad musical, poco perceptible, pero de altísimo nivel.

5. "Ramble On" del álbum Led Zeppelin II (1969)

Una exquisita canción, a mi gusto la más bella de toda la historia de la banda, deliciosamente campirana y con bellos detalles medievales, en ningún momento deja de ser rockero, gracias al estupendo estribillo en que la energía se despliega sin miramientos. El solo de guitarra con sonido celta es de una belleza inigualable.

4. "In The Light" del álbum Physical Graffiti (1975)

Si la anterior canción era hermosa en un sentido clásico, esta lo es en un sentido bizarro. Los aires hinduístas de la canción son desconcertantes, pero ciertamente de una belleza asombrosa. Luego la sección más convencional tiene un riff calmado, casi oculto, pero exquisito, y qué decir de la tercera sección, que a la postre habría de cerrar la canción. No es de las canciones más valoradas de la banda, pero sí es una de mis preferidas de toda la vida.

3. "Kashmir" del álbum Physical Graffiti (1975)

Una de las canciones más épicas de la banda, nuevamente con aires hinduístas, con una orquesta sinfónica y con una majestuosidad que en otras bandas sonaría pretenciosa, pero en Led Zeppelin está justo a la medida. Todo amante de la música debe conocer y amar esta majestuosidad sonora.

2. "Stairway To Heaven" del álbum Led Zeppelin IV (1971)

Sin duda alguna esta es la mejor canción de Led Zeppelin, una canción histórica, legado de los mejores años del rock como género y digno representante del arte de la humanidad como especie. Una gloriosa e inalcanzable canción dividida en secciones genialmente interconectadas entre sí, con una soltura y una delicadeza impecables, al grado de que las transiciones son suaves y definidas, y la canción que empezó como un  suave folk, terminó como un poderoso rock duro. No hay más, es la canción perfecta.

1. "The Battle Of Evermore" del álbum Led Zeppelin IV (1971)

Si bien, ya se estableció que la anterior es la mejor canción de la banda, esta es la que más me gusta. Es una auténtica epopeya, una canción folk que lejos de ser suave y delicada, es una batalla (como el nombre lo sugiere) que tiene aires medievales, no tiene ni una sola guitarra eléctrica, pero aún así, es mucho más épica que cualquier canción de la banda. La batalla entre las dos voces se ve acompañada de una serie de instrumentos de cuerda que sólo incrementan la epicidad y nos hacen alucinar de principio a fin. Mi canción favorita de Led Zeppelin.



Y finalmente, aquí la playlist en Spotify de este listado:

1988

He aquí una lista con las 15 canciones que más me gustan del año en que nací, un año no tan brillante en materia musical, pero con algunos álbumes y canciones destacables. En el caso de este año, son 15 canciones, posteriormente haré más listas de cada año, con mayor o menor número de canciones, según sea el caso. Empecemos:

15. "She Drives Me Crazy" - Fine Young Cannibals

Si bien se trata de una canción pop, desde siempre me ha gustado no sólo desde un aspecto musical, sino también considerando lo que representa: la época del pop plástico más representativo, y una década en la que aún ese pop podía ser interesante, creativo y hasta cierto punto, inteligente.

14. "Quiet Heart" - The Go-Betweens

Una de las bandas iniciadoras del movimiento indie de finales de los ochenta, originaria de Australia, que nos presentaba una música muy fina, con una textura muy tersa y una ambientación un tanto elegante. La canción nos muestra todos estos elementos, embellecidos por una serie de melodías tan memorables como efectivas.

13. "Blue Moon" - Cowboy Junkies

El posible nacimiento del Alt Country se dio con el estupendo "Trinity Sessions" de los Cowboy Junkies, del cual se extra esta estupenda y emotivísima versión de la tradicional y hermosa "Blue Moon", canción representativa de la cultura estadounidense, y una de las que tiene una progresión melódica más reconocibles de todos los tiempos. Un deleite, pues.

12. "Delicious Demon" - The Sugarcubes

Una canción que irradia alegría, que expulsa una cantidad de energía musical tan contagiosa como deliciosa, y que, a pesar de su aparente ingenuidad, es una canción con una letra más oscura de lo que su música nos hace pensar en primera instancia. La historia posterior de la vocalista de la banda ya la conocemos muchos.

11. "Wealth" - Talk Talk

La aparente tranquilidad de la música no nos salva del poder emotivo de la voz de Mark Hollis, que es capaz de llevarnos al límite de nuestra compostura, y reventarnos a niveles tan estremecedores como celestiales. La canción cierra el estupendo "Spirit Of Eden", y lo hace de una manera descomunal.

10. "Fast Car" - Tracy Chapman

El álbum revelación de esta compositora que prometía tener una carrera mucho más prolífica de la que en realidad tuvo. De igual manera, logró un cierto reconocimiento gracias a esta magnífica canción, la cual desde una perspectiva un tanto folk, nos narra las aspiraciones juveniles de una forma cruda y realista. Un himno a la vida real.

9. "Candle" - Sonic Youth

Nadie esperaba que una de las bandas más desconocidas y ocultas, incluso dentro de la escena underground de los Estados Unidos, fuese a grabar un álbum tan maravilloso e influyente como lo hizo Sonic Youth en su "Daydream Nation". Ese Noise rock aparentemente sin sentido, de hecho tuvo sentido para miles de músicos que habrían de verse influenciados por esta extraña y reveladora música.

8. "You Are The Everything" - R.E.M.

Los originarios de Athens, Georgia, ya tenían un nombre en la escena alternativa norteamericana, y con el lanzamiento de su álbum "Green", se consolidaron como la punta de lanza de dicho movimiento musical. De ahí se extrae esta fantástica e ingeniosa melodía, que con su música expresaba esa necesidad de salirse del establishment musical que imperaba en MTV y en la escena rockera mundial.

7. "Firefly" - American Music Club

Otra banda indie de finales de los ochenta, que con su álbum "California" lograron excelentes críticas, sobre todo debido a canciones como esta, que es la que abre el álbum, y que es una muestra de la elegancia característica del género, especialmente en dicha época. Si bien, predominan los elementos country, la canción se mueve también dentro del pop y el rock.

6. "Misguided Angel" - Cowboy Junkies

Nuevamente en esta lista aparecen los Cowboy Junkies, esta vez con una composición propia que ahonda más entre la mezcla del country con el folk y el alternativo. La canción es otra muestra de emotividad y sensibilidad a niveles estratosféricos, y por ello ocupa el ligar 6 de mi lista.

5. "One" - Metallica

La canción más representativa de la época primigenia de la banda, a pesar de estar un tanto sobreestimada, especialmente si consideramos que no está al nivel de por lo menos 3 canciones de su álbum anterior. De cualquier manera, es una buena canción, la mejor del "...And Justice For All", sobre todo por esa asombrosa sección enteramente musical que acapara los dos minutos finales de la canción.

4. "Turn You Inside-Out" - R.E.M.

Una maravillosa canción de rock, de ese rock que la banda dejó de hacer años después, y que de manera tan brillante los caracterizó durante la década de los ochenta. A pesar de que el álbum en que aparece tiene canciones más conocidas, o representativas,  como "Orange Crush" o "Stand", esta canción es sin lugar a dudas mi favorita.

3. "The Sprawl" - Sonic Youth

A mi gusto, la canción más perfecta de los comandados por Thurston Moore, una canción que reúne los elementos rockeros post-adolescentes de la naciente generación x, todo dentro de una canción sin estructura, con letras sin sentido y con una música abrasadora y apabullante en todos sentidos. Tan contrastante como lo fue el punk en su momento, y tan espléndido com0 incomprendido en su momento. Una joya de canción.

2. "Where Is My Mind? - Pixies

Una canción que adquirió popularidad muchísimos años después de su aparición. Es una canción premonitoria, que explora los terrenos del rock alternativo noventero con una naturalidad abrumadora, de forma que se puede decir que la canción está adelantada a su tiempo por prácticamente una década. El riff inconfundible y los arreglos que le hicieron a la voz de Kim Deal son sólo añadidos que no hacen más que engrandecer el nivel musical de la canción.

1. "Sumertime Rolls" - Jane's Addiction

Una canción monumental, épica, gloriosa y poderosamente rockera, que se mantiene en constante ascenso, teniéndonos a nosotros en una especie de suspenso que se recompensa una vez que la canción alcanza su punto más alto y estalla. Una vez que el estallido finaliza, el broche de oro es ese calmo y estremecedor final, que sólo nos confirma la grandeza de esta obra de arte. A mi gusto la mejor canción de todo 1988.

16 canciones de The Byrds para amar a la vida.

The Byrds era una banda de Los Angeles, formada en 1964 y liderada por Roger "Jim" McGuinn, que fue fundamental para la creación del folk rock gracias al sonido característico de la Rickenbacker de 12 cuerdas que el propio McGuinn usaba para la grabación de prácticamente todas las canciones de la banda, además del canto armónico a 3 voces, que a veces se duplicaban, y que eran interpretadas generalmente por McGuinn, Gene Clark y David Crosby. Así, a pesar de su falta de popularidad, gracias a la belleza del sonido característico de la banda, con el paso del tiempo se consolidaron como una de las bandas más influyentes de la historia del rock.

Es por ello que a continuación enlistaré las 16 canciones de los Byrds que más me llenan, las que me hicieron amar la vida un poco más, y que seguramente a muchos más melómanos también.

16. "Mr Tambourine Man" del álbum Mr Tambourine Man de 1965. La primer canción de su primer álbum es la que los catapultó a las estratósferas del naciente rock estadounidense sesentero, en un año en el que el mundo musical cambiaría completamente, la grabación y publicación de esta canción original de Bob Dylan les abrió las puertas, y definió de una vez por todas el sonido característico de la banda.

15. "He Was A Friend Of Mine" del álbum Turn! Turn! Turn! de 1965. Una bella obra tradicional, bellamente arreglada por McGuinn para ser cantada a 3 voces, sobre una base de guitarra punteada y algunos arreglos de cuerdas que complementan y embellecen a la melodía. La letra tiene un fuerte trasfondo político, por lo que la canción es mucho más profunda no sólo musical, sino también líricamente.

14. "Eight Miles High" del álbum Fifth Dimension de 1966. Una estupenda y altamente psicodélica canción, muy característica de la época en que fue publicada, se trata de una obra mucho más densa que las típicas canciones folk de la banda, sin embargo, en ningún momento se pierde la esencia musical de los californianos. Además se trata de uno de los temas más conocidos de la banda. Una canción alucinante.

13. "Mind Gardens" del álbum Younger Than Yesterday de 1967. Esta es una extraña y muy experimental canción de David Crosby, que además interpreta él mismo con su voz tan bizarra como la música que le acompaña. Sin embargo, escuchando con detenimiento, es una de las obras más complejas del historial de la banda, más allá de los arreglos psicodélicos, la letra es prácticamente poética, y las atmósferas que la canción tiene conforme avanza nos adentran en un bosque musical tan asombroso como escalofriante.

12. "Dolphin's Smile" del álbum The Notorious Byrd Brothers de 1968. Extraída del que sin duda es su mejor álbum, esta canción parece ser una simple canción juguetona, sin embargo, ese interludio que nos pone la piel de gallina es uno de los momentos más brillantes en todo el repertorio de los Byrds.

11. "I'll Feel A Whole Lot Better" del álbum Mr Tambourine Man de 1965. Una maravilla que demuestra que el punto de partida de los Byrds era uno muy alto, musical y artísticamente hablando. Es la primer canción original de la banda, compuesta por Gene Clark, con una melodicidad bastante madura para una banda debutante, además de las extraordinarias armonías vocales. Una delicia simple y efectiva.

10. "5D (Fifth Dimension)" del álbum Fifth Dimension de 1966. Con esta canción la banda abría oficialmente su etapa psicodélica, que duraría un par de años más. La obra, compuesta y cantada por Gene Clark tiene un aire de gozo y deleite que de inmediato nos contagia desde el primer verso de la canción.

9. "Get To You" del álbum The Notorious Byrd Brothers de 1968. Una belleza total que nos muestra las ambiciones country que la banda seguiría a plenitud a partir de su álbum siguiente. Sin embargo, a los aires country de la canción se le añaden arreglos experimentales y cambios de atmósfera que enriquecen y embellecen la ya de por sí bella melodía.

8. "The Bells Of Rhymney" del álbum Mr Tambourine Man de 1965. Una musicalización magistral de un poema magistral del escritor galés Idris Davies. Por tanto, la letra que en sí es una obra de arte, está bellamente acompañada por la música suave pero efectiva, y sumamente armónica. Pocas bandas han alcanzado esa maestría en las armonías, como lo hicieron los Byrds en sus mejores años.

7. "Change Is Now" del álbum The Notorious Byrd Brothers de 1968. Otra estupenda canción que desde los momentos iniciales nos asombra por su belleza, y en la que se entremezclan momentos psicodélicos y momentos country, y que en ningún momento suena fuera de lugar dicha mezcla, por el contrario, se mezclan y complementan a la perfección.

6. "I Come And Stand At Every Door" del álbum Fifth Dimension de 1966. Otra musicalización de un poema, esta vez mucho más oscura y macabra; es quizás el momento más oscuro en todo el historial de los Byrds, y sin embargo, se trata de una de las canciones más estremecedoras y profundas de todo el rock sesentero. ¿La letra? Un escabroso relato (ficticio, evidentemente) de un niño muerto en la bomba de Hiroshima. La pesadez de la música (inédita en la banda) es más que apropiada para dicho tema.

5. "Turn! Turn! Turn! (To Everything There Is A Season)" del álbum Turn! Turn! Turn! de 1965. Una clásica y ultrarreconocida canción de la banda, típica dentro de la banda sonora de la guerra de Vietnam, y una oda a la nostalgia, y a la belleza implícita dentro de ésta. Un absoluto deleite que todos conocemos a la perfección.

4. "Wild Mountain Thyme" del álbum Fifth Dimension de 1966. Un canción tradicional escocesa, a la que los Byrds le añadieron un arreglo sonoro finísimo con arpeggios de guitarra e instrumentos celtas de fondo, además de las voces a coro, por lo que se trata de una de las canciones más finas de la agrupación, cosa no menor en una banda que de por sí hacía música muy fina.

3. "Draft Morning" del álbum The Notorious Byrd Brothers de 1968. Otra delicia de canción, con una sofisticación sin precedentes, es una de esas canciones evocadoras que nos hacen viajar con suma facilidad, y transportarnos a cualquier punto del pasado, de nuestras memorias más dulces y de aquellos momentos en los que aprendimos a amar la vida. Un deleite absoluto de canción.

2. "My Back Pages" del álbum Younger Than Yesterday de 1967. Una poesía de Bob Dylan, igualmente evocadora, igualmente bella, en la que las armonías corales se alternan con la voz en solitario de un McGuinn inspirado, esplendoroso y sumamente emocional. Las alturas musicales de la banda en este cover son propias del olimpo del rock, tan perfectas que hacen que la canción no suene avejentada ni agotada. Una obra magistral.

1. "Goin' Back" del álbum The Notorious Byrd Brothers de 1968. El pináculo de la manufactura musical perfecta de los californianos. Una canción con la que David Crosby no estaba de acuerdo, pero que resultó ser la obra más bella y perfecta de los Byrds, la cumbre de su propuesta artística y uno de los momentos musicales más finos y elaborados de todo el rock sesentero. Y personalmente, una de mis canciones preferidas de todos los tiempos.

El Ave

Una simple canción de apenas 3 minutos y 21 segundos de duración, una expresión de la vida, del alcance del espíritu, de la bajeza humana, y de la esperanza misma, encarnada en un ave que sobrevuela una ciudad, la cual puede ser una expresión literal de una urbe, o una metáfora sobre uno mismo, una nación, o la humanidad entera como unidad de especie.

La ingenuidad engañosa con la que comienza la canción nos invita a sonreir, y nuestros oídos se relajan por un momento. Pero más adelante, conforme la misma canción nos lleva a un subsuelo de hechos históricos deleznables y de actitudes humanas tan cotidianas como destructivas, nos adentramos a una densidad sonora que alcanza la ominosidad y así, de ser un alegre e ingenuo tema, se transforma en un oscuro y pesado lapso (como en la vida misma), mientras el ave, desde su perspectiva de más arriba, parece compadecerse al mismo tiempo que siente lástima por la ceguera de quienes somos mayoría, siendo oprimidos por los menos. La historia de la humanidad, ni más ni menos.

Pero la gracia de Rubén Albarrán (compositor de esta joya) nos permite regresar, resurgir del fondo al que nos había llevado, ahora reemplazando la ingenuidad por una esperanza indescriptible, expresada por el amor que el ave siente por su ciudad (reitero, literal o metafóricamente) a pesar de que ésta le hace tanto bien y tanto mal.

Para cerrar, y así estremecernos, el ave nos deja entrever que todos y cada uno de nosotros pertenecemos a una gran nada, y que tal y como ella, todos tenemos alas para así volar, y escapar de nuestra naturaleza autodestructiva. La canción cierra espléndidamente de la misma manera en la que comenzó, cerrando un círculo, un ciclo como lo es la vida misma, la cual comienza y termina con llantos y dolor.

Todo esto encapsulado en poco más de 3 minutos, es un logro musical y artístico total. Y la canción, desde luego, es un deleite de principio a fin.

Oda a la poesía cantada, o sobre cómo Bob Dylan hizo grandes a los Byrds

Todos sabemos quién es Bob Dylan, un músico y poeta que reinventó la manera de escribir canciones, y que influenció a todos (sí, a todos) los músicos desde 1962 hasta la fecha. Desde sus 21 años, cuando publicó su álbum debut, se le notaba una enorme cualidad para escribir letras ingeniosas, satíricas, y perfectamente amoldadas a la canción. Sus inicios folk le ayudaron a mostrar su enorme talento al mundo entero, y gracias a su ingenio muchos artistas se catapultaron a la fama. También hubo artistas que usaron la influencia Dylaniana para crecer como músicos y letristas, y catapultarse a la estratósfera de los dioses del rock. Una de estas agrupaciones eran los californianos The Byrds.

The Byrds era una banda que, como casi todas, estaba influenciada por Dylan y por los Beatles. El sonido característico de la guitarra de 12 cuerdas que escuchamos a lo largo de todo el A Hard Day's Night (1964) de los británicos, más los constantes cantos armónicos de Lennon, McCartney y Harrison, provocaron en los californianos una profunda admiración y los conminó a seuir el camino del folk rock con entusiasmo. Sin embargo, fue un cover de una canción de Dylan la que los dio a conocer a nivel mundial, "Mr. Tambourine Man" de 1965, y que en ese mismo año, los Byrds interpretarían en su álbum debut, llamado como la canción Dylaniana.

Pero la evolución de los Byrds fue más allá del folk y los covers, el mejor de sus álbumes (Th Notorious Byrd Brothers) es hasta el día de hoy considerado como uno de los mejores en la historia del rock. Ahora bien, el título de este escrito no hace referencia a contar la historia de los Byrds, sino a la forma en que Dylan, con su poesía cantada, los hizo grandes. Gran parte de este mérito se lo lleva la ya mencionada "Mr Tambourine Man", sin embargo, otra canción de Bob Dylan cantada por los Byrds es la que me ha motivado a escribir esto.

En 1967, los Byrds ya estaban experimentando con la psicodelia y los sonidos alternativos, y bajo esta influencia publicaron su maravilloso "Younger Than Yesterday", un álbum en donde las capacidades de los músicos se pulieron y se refinaron, para entregarnos una obra llena de finura y belleza sonora. Dentro del álbum se encuentra un cóver de Dylan, una canción que estremece con escuchar todos los elementos que la componen. Dicha canción lleva por nombre "My Back Pages", y en todos sentidos, es una canción perfecta. Una canción que quizás es mejor como cover que en su grabación original, esto debido a todos los detalles musicales añadidos por los californianos que le brindan una ambientación única y de gran belleza.

La versión original de Dylan, aparecida en su álbum de 1964 "Another Side of Bob Dylan", es una nostálgica canción folk en donde Dylan y su guitarra son los únicos elementos presentes. Sin embargo, a la versión de los Byrds se le añaden los bellos coros a cuatro voces, característicos de la banda, además de una ambientación que multiplica la nostalgia, y que se adapta a la perfección a la letra de la canción. Los instrumentos rockeros son parte esencial de esta atmósfera lograda.

Sin embargo, el mayor mérito de la canción es 100 % Dylan. La letra de la canción es sublime, por decir lo menos, utilizando palabras exquisitas para expresar la ingenuidad de la juventud, que además se adaptan a la perfección a la métrica de la música, y que no cae en los facilismos letrísticos como el uso de infinitivos, gerundios o terminaciones en -tion (como muchos lo hacen). La letra (que a continuación transcribiré) consiste en 4 estrofas y un coro que se repite. Cabe destacar que las estrofas se conforman de 3 versos, los primeros 2 versos de cada estrofa riman entre sí, mientras que el último verso de la estrofa rima con el coro, que se repite al final de cada estrofa. 

"Crimson flames tied through my ears, rollin' high and mighty traps

Countless with fire on flaming roads using ideas as my maps

We'll meet on edges soon, said I, proud 'neath heated brow

Ah, but I was so much older then, I'm younger than that now

Half-wracked prejudice leaped forth rip down all hate, I screamed

Lies that life is black and white spoke from my skull, I dreamed

Romantic flanks of musketeers foundationed deep, somehow

Ah, but I was so much older then, I'm younger than that now

In a soldier's stance, I aimed my hand at the mongrel dogs who teach

Fearing not that I'd become my enemy in the instant that I preach

Sisters fled by confusion boats, mutiny from stern to bow

Ah, but I was so much older then, I'm younger than that now

My guard stood hard when abstract threats, too noble to neglect

Deceived me into thinking I had something to protect

Good and bad, I define these terms quite clear, no doubt, somehow

Ah, but I was so much older then, I'm younger than that now"

Para finalizar, la versión de The Byrds, una canción perfecta.