Historia del rock: El Rythm & Blues

Antes de entrar de lleno en el tema principal del escrito, es importante resaltar un hecho histórico (para el rock como género) sucedido en 1940. Lester William Polsfuss, mejor conocido como Les Paul, era un guitarrista experimentado que siempre estaba en búsqueda de nuevos sonidos e innovaciones al sonido de su amado instrumento. Fue así que en el año mencionado, el músico presentó su prototipo mejorado de los trabajos que anteriormente Leo Fender había realizado para electrificar a la guitarra. Si bien, en su momento no fue tan popular, sí fue un invento que, eventualmente, habría de revolucionar a la música del momento, y terminaría por crear el sonido esencial del rock como género musical.

Una vez dicho eso, podemos decir que, luego del trabajo de Miles Davis en la evolución del jazz, era inevitable que alguien buscara fusionar todos estos sonidos tan populares en aquel momento: el blues y sus derivados, el jazz y sus derivados, el country y el gospel. Añadido a esto, algunos músicos incluyeron elementos africanos y afroantillanos a su música, y con ello, más el sonido revolucionario de la guitarra eléctrica, fue como se creó el Rythm & Blues, género musical directamente precursor del rock & roll.

El Rythm & Blues es una música mucho más electrificada y estructurada que el blues convencional, mucho menos religiosa que el gospel, aunque conservando mucho de su emotividad, mucho menos cerebral y virtuosa que el jazz y mucho menos autóctona que el country. Digamos que es un género que retoma lo mejor de cada de uno de estos géneros, y los fusiona en un lento, triste y electrizante nuevo sonido que habría de ser esencial hasta nuestros días (aunque ciertamente, hoy en día su influencia se ha mermado mucho) para la concepción y comprensión del rock.

Es como el pináculo máximo de la música negra, esa música que desde los tiempos del gospel en los campos de algodón de 100 años atrás, y luego de los tiempos del inocente Ragtime, había sido el alma artística de los Estados Unidos. La nueva música clásica pertenecía al nuevo continente, y como prueba de ello estaba esta música con rasgos africanos, con esencia afroamericana y con una evolución imparable de casi 100 años.

Entre los principales exponentes se tiene que nombrar forzosamente al trabajo de Fats Domino, quien con canciones emblemáticas como "Ain't That A Shame" o "Goin' Home" e incluso álbumes como el "This Is Fats" popularizaron y catapultaron al género dentro de la escena musical norteamericana.

Otro artista esencial que influiría en gran parte de los músicos de rock de las décadas siguientes es el inconmensurable Muddy Waters, quien aportaría su enorme sensibilidad y emotividad al género, además de que sus canciones, llenas de tristeza y poderío fueron un elemento fundamental en el surgimiento del rock & roll. Quizás su canción más conocida sea "Rollin' Stone", pero otros temas como "Hoochie Coochie Man" con su enorme sensualidad también son destacables.

Y no se puede hablar del Rythm & Blues sin mencionar a la que quizás sea su figura más emblemática, el virtuoso B. B. King, quien con su potente voz y su enorme habilidad en la guitarra habría de componer e interpretar clásicos como "You Know I Love You", "Please Love Me" y el espectacular "You Upset Me Baby", entre mucho otros.

Con el paso de los años, habrían de surgir más artistas emblemáticos, como Ivory Joe Hunter, Ray Charles, Big Joe Turner, o agrupaciones como The Charms, The Penguins o The Midnighters. Mención particular para una agrupación meramente vocal, que habría de influir determinantemente en la aparición del soul en la década siguiente: The Platters, que con algunos éxitos y unas armonías vocales tan bellas como espectaculares lograron cimentar las bases del futuro de la música negra.

Si bien en ésta época ya figuraban nombres como el de Little Richard o Chuck Berry, no habría de ser sino hasta el segundo lustro de la década de los 50 que habrían de brillar con mayor fuerza. Sin embargo, antes de llegar a ello, y a manera de cierre de este texto, en 1954 se colaron en las listas de éxitos del Rythm & Blues 2 artistas que nada tenían que hacer allí: un ignoto (por entonces) Elvis Presley y una banda llamada Bill Haley & His Comets. ¿Por qué su inclusión parecía fuera de lugar? Simple. Artistas blancos tocando música de negros. Finalmente el rock & roll había nacido.

Historia del rock: la evolución del blues, y la influencia del jazz ,el country y el gospel.

Si bien ya se ha establecido que el blues nació y se desarrolló en las décadas de los años 20 y 30, fue en los años 40 en los que evolucionó y se estableció como el género dominante dentro del grueso de clase trabajadora estadounidense. Muy a pesar de su origen netamente afroamericano, el blues ya ganaba terreno en otros escenarios, en los que antes predominaba música esencialmente blanca, como el country o la música swing.

Éste último es un derivado directo del jazz original que surgió algunos años después que el blues, una versión pulida y más estructurada del jazz de improvisación que se originó en bares y antros afroamericanos. Si bien, el jazz era tan clasemediera como el blues, se distinguía por la enorme capacidad interpretativa de sus músicos. No cualquiera podía pertenecer a una banda de jazz, se requería de una maestría en el instrumento en que se desempeñara el músico, e incluso entre bandas se generaban competencias y rivalidades para determinar quién era el mejor músico, ya sea en la batería, las trompetas, el contrabajo, o el piano, entre otros instrumentos.

Ahora bien, es cierto que el rock, como género, tomó muchos más elementos del blues que del jazz, precisamente por la gran complejidad de éste último. Sin embargo, elementos como la estructura armónica de la música, el uso de secciones bien definidas para ciertas partes de las canciones, y otros elementos más pulidos que existen en el rock, son ciertamente derivados de las aportaciones del jazz en la música contemporánea.

Hacia los años 40 el jazz había evolucionado del swing, que se hizo muy popular, cosa que le demeritó reputación entre los músicos de jazz, y las famosas grandes bandas de swing como la de Glenn Miller, Bennie Goodman o Artie Shaw, ya eran más como una música de acompañamiento y animación en fiestas de la clase alta, que una mera expresión artística. Ello generó que los artistas del jazz de sepa buscaran evolucionar hacia rumbos menos bombásticos y más genuinos.

Es así como nace el llamado Bebop, el precursor del jazz de altura en el que la improvisación era el elemento principal, y en donde los propios músicos se ponían a prueba constantemente para superarse a sí mismos, y a sus "rivales". De esta camada surgen nombres legendarios del jazz como Thelonious Monk, Milt Hinton, Charlie Parker, Louis Armstrong, Dizzy Gillespie o Kenny Clarke. Es también en esta etapa en la que se empieza a dar a conocer un nombre, por entonces ignoto pero que sería monumental para el jazz y para el rock mismo: Miles Davis.

A su vez, el Country y el Gospel se acercaban cada vez más al sonido bluesero que predominaba en los bares y estaciones de radio estadounidenses. Nombres como el de Hank Williams, la familia Carter o Big Mama Thornton tomaban fuerza y se les asociaba por igual con en country, el gospel y el blues, por lo que la creación de nuevos sonidos, más evolucionados y estructurados, generaba un aumento en la creatividad de los músicos blueseros.

Es así como nace el llamado Boogie Oogie y el Jump Blues, los cuales eventualmente derivarían en el Rythm & Blues, directo precursor del rock & roll. De estos subgéneros podemos destacar a nombres como el de Louis Jordan, Big Joe Turner, y principalmente, a Professor Longhair, quien habría de influenciar a cientos de músicos que harían una importante colaboración para el desarrollo e invención del rock & roll.

Finalmente el jazz habría de evolucionar también, hacia finales de los años 40, hacia un subgénero llamado cool jazz, que era un jazz mucho más cerebral, mucho menos visceral, pero con un nivel de complejidad inusitado. Todo surgió gracias a un álbum imprescindible para los amantes del jazz: el "Birth Of The Cool" de 1949 de Miles Davis. Ello generaría que el jazz se convirtirera en un género completamente de culto, siendo que apenas dos decadas atrás era el género musical más popular de los Estados Unidos. Sólo un artista de la envergadura de Miles Davis podría lograr semejante hazaña.

Otros movimientos jazzísticos de la época fueron el hard bop y el west coast jazz, ambos con interesantes aportaciones, pero no del nivel de lo que había logrado Miles Davis, por lo que los grandes nombres del jazz tuvieron que seguirle el ritmo a este aún joven y novato compositor.

Al llegar la década de los años 50 estallaría la bomba musical que inevitablemente se venía cargando desde las décadas anteriores, los artistas de blues y de jazz hallarían un nuevo y excitante sonido, ambos en su rubro, y ello generaría la creación del máximo género musical del siglo pasado, el rock & roll.

Historia del rock: los 20s y los 30s, las décadas del blues.

La escena es la siguiente. Una cabaña situada cerca de uno de los ramales del río Mississippi, muy simple, de una planta y construida totalmente de madera. El techo de dos aguas, las ventanas opacadas por la naturaleza del terreno, y en su interior, una cocina con una mesa redonda más o menos grande, y una división hacia otro cuarto, con una cama enorme para los padres y pequeños aposentos para los vástagos. A su alrededor un bosque denso, no de coníferas, sino de árboles de manzano y similares. Digamos que es el actual Louisiana, cerca de New Orleans, en una zona rural muy típica del sur norteamericano.

En el pórtico de la casa hay una silla mecedora y una linterna de aceite colgada, y en la silla está un hombre de raza negra, agotado, luego de un arduo día de trabajo. Recordemos que es una época sin televisión, en la que los ricos eran los únicos con una radio, y en donde no existían los aparatos dadores de entretenimiento que hoy abundan. Así que este hombre llega de trabajar a su casa, en donde su esposa igualmente agotada le sirve de cenar a él y a sus 6 hijos, antes de mandar a éstos últimos a dormir. Así que el hombre, resignado a la vida que lleva, toma su cigarro y su armónica, y se sale al pórtico a disfrutar de su humilde pero independiente residencia. Por momentos fuma, y por otros toca su armónica mientras recita lo amargo de su realidad. Jamás será rico, pero por lo menos no es pertenencia de un acaudalado hombre blanco.

Otro escenario: un bar de New Orleans, que está sobre una calle sin pavimentar, con lodo en su exterior y en donde sólo transitan caballos. Dentro del bar hay humo de cigarro, meseras jóvenes y atractivas, y hombres dispuestos a emborracharse y olvidar por un momento la vida que llevan. Todos de raza negra. Al centro del bar hay un piano, y sentado en éste, un hombre más o menos arreglado tocando el piano, recorriendo sólo 3 notas sobre do mayor séptima: mi bemol,  si bemol y fa sostenida. Todo gira en torno a estas 3 notas y a su elegantemente rimada letra. Todos se divierten hasta altas horas de la noche, antes de regresar a sus crudas realidades, sobre las que se basan la mayoría de los textos de sus canciones.

Estos escenarios son la base del apogeo del blues, de los años 20 y 30. El sur norteamericano y el delta del río Mississippi son las zonas centrales en las que se desarrolla el sentido género, con una excepión. Chicago, la ciudad de los vientos al norte de esta misma zona, en donde los gángsters hacían de las suyas, surge una variante del mismo blues, que sería marcadamente distinto a su hermano sureño. Sin embargo, todo es blues. Surgen artistas como Pinetop Smith, un fantástico pianista al que se le atribuye la invención del llamado "Boogie- Woogie", una ligera variante del blues, con temas como "I'm Sober Now", "Pinetop's Blues" o "Pinetop's Boogie-Woogie". Un amigo suyo también aportó al blues de la época, Cow Cow Davenport y temas como "Cow Cow Blues" de 1928.

 

 Al mismo tiempo, surgió Blind Willie Johnson, uno de muchos artistas que por vez primera, en 1927, unirían al blues con el gospel, en temas tan buenos como "Jesus Is Coming Soon", "God Moves O The Water" de 1929, o "Keep Your Light Trimmed And Burning" de 1930. Estas tres últimas canciones son enteramente a base de guitarra, un instrumento que apenas se estaba poniendo de moda en los Estados Unidos, y que eventualmente se convertiría en la base del rock. Un tema más que me gustaría resaltar, es sobre la gran inundación del río Mississippi, la cual también fue inspiración para muchos de estos autores, que compusieron diversos temas sobre dicho acontecimiento, siendo el más reconocido el de Charley Patton, titulado "High Water Everywhere" también de 1929.

 

Ya en los años 30, el fenómeno del blues se extendió a un mayor territorio, siendo la Meca de este movimiento la ciudad de Memphis, Tennessee. De ahí, artistas como Frank Stokes, Sleepy John Estes, Robert Wilkins, Joe McCoy o Memphis Minnie fueron quienes mantuvieron y popularizaron al género a una gran escala, mucho mayor de lo que quizás ellos mismos imaginaban. Ya el blues era más que sólo blues, ya había mezcla de gospel, country y boogie. El Jazz estaba en proceso de popularización, así como la natural evolución del blues: el Rythm & Blues.

Del blues mismo nace una vertiente del primigenio sonido de Jazz, la música Swing, la cual tenía la energía y el alma africana del blues, pero con un mayor grado de diversidad musical y dificultad interpretativa. De ello hablaré en el siguiente post, mientras tanto, les dejo en Spotify una playlist del mejor blues de las décadas de los años 20 y 30.

Historia del rock: Ragtime, desarrollo del blues y el principio del siglo XX

Blues notes en la escala musical

Una vez que los afroamericanos ya eran libres de la horrorosa esclavitud, también tenían la libertad de desarrollar su música sin mayores obstáculos (al menos no legales). Aún así, vivían en una marginación y discriminación que les forzaba a vivir en barrios negros, sin la oportunidad de mezclarse con los ciudadanos de ascendencia aria, y siendo rechazados por éstos de maneras inhumanas e indignas. Con todo lo horrible que esta situación era, como lo mencioné en un post anterior, esto fue un gran aliciente para que el rock existiera, y como hecho histórico, es fundamental para el desarrollo de la música popular de la segunda mitad del siglo XX.

Ahora los barrios negros estaban llenos de artistas sin nombre, talentos desapercibidos que sin un mayor afán que el de vaciar sus almas y contagiar a sus "hermanos", componían obras igual de desgarradoras que de anecdóticas. El blues ya estaba tomando forma. Ese blues que es el corazón mismo del rock, ese blues que fue fundamental para desarrollar el jazz, el soul, el rythm & blues, el funk y hasta el country más blanco (en cuestión de raza) que ha existido.

Comenzaba un nuevo siglo, y el blues evolucionaba inexorablemente. Se desarrollaron las llamadas "Notas de blues", que se refiere a las notas en la escala musical en la que se componía e interpretaba este naciente y trascendente género. Esto representaba una ruptura radical con lo que se conocía como "la manera tradicional de hacer música", tal y como se hacía en Europa. Aunque si bien, la estructura musical y armónica si mantiene el fundamento europeo, el alma de la música -es decir, la melodía- tenía un trasfondo africano innegable. A ello se le anexa el dolor y el sufrimiento, y la propagación de la música de la misma manera en que se propagaba ese sufrimiento, y dio como resultado el nacimiento de una música llena de angustia y de belleza.

A pesar de que no se tienen registros de que a esta música ya se le conociera como "blues", sí se sabe que entre la comunidad afroamericana se le llamaba "the blues" al estado de ánimo triste y melancólico en el que vivían debido al racismo y la marginación, así como al terrible sufrimiento de sus esclavizados ancestros. Entre la comunidad de raza blanca, a esta música se le llamaba "work songs", es decir "canciones de trabajo", canciones que los afroamericanos utilizaban mientras realizaban su trabajo, desde la esclavitud hasta su época de libertad condicionada.

Debido a esta falta de consolidación general del blues como género musical, se puede considerar al Ragtime como el primer género netamente estadounidense en existir. Se trata de una especie de marcha a base de piano que se creó a finales del siglo XIX, pero que alcanzó su mayor popularidad a inicios del siglo XX, gracias a su mayor exponente, el contrastante Scott Joplin.

Digo contrastante debido a que Joplin era un afroamericano muy estilizado musicalmente a la europea. De hecho, su ambición era que el rag fuera considerado tan de culto como la música culta del viejo continente. Él era un hombre estudiado musicalmente, un hombre refinado, alejado de la historia cruda de su raza, y sin embargo, en su música es innegable la tradición africana, el parentesco con el blues y la melancolía característica de los afroamericanos rechazados de la época.

El Ragtime como tal, puede considerarse como un puente entre la consolidada música culta europea, y la naciente música estadounidense, y es un evidente pilar para la construcción de géneros futuros, principalmente el jazz y el swing. Este es, entonces, el primer fundamento oficial del rock, la primer música cien por ciento norteamericana. Joplin dejó obras que hoy en día, a casi 120 años de ser compuestas, son lo suficientemente populares como para que se consideren históricas por sí mismas, y como para reconocer al género Ragtime, aún si jamás habíamos escuchado de él. "Maple Leaf Rag" y sobre todo "The Entertainer" son obras que quedarán a la posteridad, testimonios de cómo con el nacimiento del nuevo siglo, también nacía una tradición musical estadounidense que eventualmente contagiaría a todo el mundo de una manera contundente.

Joplin eventualmente moriría en 1916 debido a la demencia resultante de la sífilis. Tenía 59 años, y con él, prácticamente se murió el Ragtime. Murió sin saber qué tan trascendente sería su obra, murió en la ruina y en el anonimato. Un género que en 15 años logró sentar las bases, un género que debía tener una vida corta, lo suficiente como para influir en otros artistas, lo suficiente como para dejar el paso libre a las siguientes generaciones de músicos brillantes y hoy olvidados.

Historia del rock: Era de la esclavitud, orígenes y preconcepción

El rock como tal no nació sino hasta mediados de los años 50, cuando todas sus fuentes y sus precursores finalmente se hallaron en un punto en donde todo coincidía a la perfección sonora y culturalmente. Pero todos estos precursores son tan esenciales como el rock mismo, es por ello que resulta igual de importante mencionar los orígenes de estos precursores, como fundamentos del rock, y como elementos del mismo que incluso hoy en día siguen presentes dentro del género.

A mediados del siglo XIX, mientras en Europa se vivía el esplendor del romanticismo musical -el cual fue prácticamente inventado por nadie menos que Ludwig Van Beethoven- con un preciosismo como elemento esencial de dicha corriente musical, y con exponentes de una calidad y virtuosismo altísimos -tales como Friedrich Chopin, Franz Liszt, Franz Schubert, Richard Wagner, Felix Mendelssohn y hasta Nicolo Paganini-, en Estados Unidos -cuna innegable del rock- se vivía una situación completamente distinta.

En nuestro vecino del norte imperaba aún la esclavitud, sobre todo en la parte sur del país, y como principales víctimas estaban aquellos de raza negra (o afroamericanos, para no meternos en problemas), los cuales eran sometidos a circunstancias de trabajo inhumanas, y vivían de manera deplorable, además de ser utilizados como mercancía en el mejor de los casos, o como moneda de cambio en el peor de los casos. Ahora bien, con todo lo abominable que pueda resultar esta etapa de la historia norteamericana, es necesario puntualizar que sin ella, probablemente el rock no hubiera existido como tal.

Y es que todo el dolor, todo el sufrimiento y la impotencia que los afroamericanos sufrieron durante esta horrorosa época, dio origen a que buscaran -como parte de la naturaleza humana- una manera de expresarse, de vaciar sus almas agujereadas y sus corazones lastimados y carentes de esperanza alguna. Si nos pudiésemos situar en tales circunstancias, en las que la vida es un suplicio, en las que no hay salida más que la muerte, en las que tus seres queridos sin duda morirán, ya sea mediante la tortura, o el asesinato a sangre fría, y en las que incluso uno mismo podía presenciar tal evento sin la capacidad de respuesta ni el poder de modificar la situación, resulta comprensible la enorme necesidad de vaciar sus mentes llenas de dolor de alguna manera. Y dado que la música es una forma de expresión tan humana como el habla o el pensamiento, la manera que los esclavos hallaron para su desahogo era a través de este arte.

Aunque esta música en nada se relacionaba con la que se escuchaba en el viejo continente. La música negra era concisa, doliente, simple en estructura y con una nostalgia y una melancolía extraordinariamente sublime. Ellos, como parte de una minoría, y cuando las circunstancias les favorecían, lograban enterrar a los suyos mediante un ritual cantado que forma parte del rock, y que nació hace casi 170 años. Posteriormente esta música se conocería como gospel, pero en su momento sólo eran cantos de gloria al Señor, su Dios, pidiendo por el alma de su hermano recién perdido.

Cuando no podían hacerlo en grupo, sólo bastaba un canto de dolor individual -algo así como un pre-blues-, con una métrica simple pero concisa -históricamente, a los afroamericanos se les han facilitado las rimas- y en algunas ocasiones, acompañados de instrumentos de viento simples, precursores de la armónica, los cuales hacían que sonoramente el dolor se nutriera y les llegara hasta el alma misma.

Una vez concluida la guerra civil norteamericana, y completada la abolición de la esclavitud -en 1865- por el entonces presidente Abraham Lincoln en dicho país, los afroamericanos no dejaron de sufrir actos de racismo y segregación, sin embargo, ya eran hombres y mujeres libres. Pero la huella del dolor parecía ser ya imborrable, y ello alimentó la creación y expansión de su música de manera contundente e inevitable.

Historia del rock: Prólogo

Es momento de redactar una serie de posts que yo mismo he estado buscando a lo largo de la red, y que al parecer nadie ha escrito de manera ordenada, extensa y completa. Me refiero a la historia completa del rock. Para ello primero debemos considerar que el rock no sólo se refiere a esa música de guitarras estridentes y músicos adictos a las drogas (que en muchos casos sí lo son), sino me refiero a esa música contemporánea en la que la mayoría de los géneros de la actualidad (menos los regionales y/o autóctonos, a pesar de haber sido influenciados en estructura por el rock en innumerables ocasiones) basan sus armonías, melodías y ritmos.

El rock como tal, ha logrado que se unifiquen criterios musicales en nuestra época, y que de ahí se ramifiquen un sinfín de sub-géneros algunos otros que antes eran externos al rock, se complementen con elementos de éste a un nivel tan esencial, que lentamente entraron al grupo de movimientos musicales derivados del rock.

Entonces, a lo largo de estos posts, consideraremos al rock como un todo, como un compendio global de la música contemporánea, y no sólo a las guitarras estridentes. Me parecía importante recalcar este hecho porque, en su momento, se tratará de dar explicación a los orígenes y fundamentos de movimientos musicales que nacieron en el seno del rock, y a partir de ahí, labraron su propio camino en la historia de la música. Algunos otros aún se encuentran emparentados cercanamente con el rock de sepa, y otros tantos son híbridos con elementos innegables del rock, pero fusionados con otros aspectos externos, como la cultura regional, la época y el contexto que rodea a los mismos.

En fin, que el esfuerzo de entregar datos históricos verídicos y relevantes, alimentará la comprensión y análisis de la música que todos escuchamos hoy en día.

La música es un arte, y como tal debe ser analizado y comprendido en su totalidad considerando no sólo lo que se escucha, sino todo el contexto general que le respalda, y le ha sostenido a lo largo de milenios de existencia humana. De ahí radica la importancia (en mi opinión) de conocer y estructurar la historia de un género tan fundamental en la historia de este arte, dentro de nuestra evolución humana.